Koldo Munné

”1520” Microscopi, 2025

”1520” Es el título del primer disco, a su nombre, del compositor, arreglista, cantante y saxofonista Koldo Munné.
Buenos días Koldo.
Tu presentación discográfica fue “Joan Chamorro presenta Koldo Munné”, ¿esto era en 2023?
Febrero del 24, era una onda muy de estándares de jazz, aunque ya incluía tres composiciones mías.
¿Ya te ha dado tiempo de escribir, arreglar y grabar este nuevo trabajo, o ya tenías material acumulado?
Empecé a grabar el disco con 18 años, pero ya llevaba 3 años planeando el disco, componiendo, arreglando. Tres años de duro trabajo, hasta tener una versión del disco que me convenciese.
¿Supongo que un título como este, tiene su propia historia?
Es un código secreto, el disco narra un enamoramiento, con todo lo bueno y lo malo que eso conlleva. No son cuatro números aleatorios, pero no hace falta explicarlo.
Un proyecto con 63 músicos supongo que solo es viable por el hecho de estar ahora mismo en el Conservatori del Liceu.
Es viable, porque estamos en una edad en que todos hacemos cosas  gratis para los compañeros. Me planteé grabarlo en un formato más pequeño, más barato, pero llegué a la conclusión que no era mi objetivo, así que me lancé a fondo, me gasté el dinero, pero tengo lo que soñaba.  
¿Te parece que vayamos comentando el disco?
En general si tuvieses que colocarlo en las antiguas cubetas de las añoradas tiendas de vinilos, la categoría de Musical de Broadway ¿qué tal le sentaría?
Sí, hay temas jazzeros, pero otros son más rock o más orquestales, así que en esencia lo mejor es definirlo como un musical.
En cambio, esos apartados de Prelude, Interlude y Epilogue me suenan a clásica.
Estudié música clásica y por su puesto me ha marcado mucho, y este disco en concreto tiene muchas referencias a esta música. Estos títulos son una declaración de intenciones. El orden de las canciones no es arbitrario, hay una estructura y todo sigue un hilo. Es un disco estructurado y habría que escucharlo como continuidad.
1520’s Prelude es una introducción con mucha cuerda, como muy cinematográfica. Ese chelo de Candela Puigbò es una delicia. ¿Atraído por compositores como John Williams?
Sí, este inicio era también una declaración de intenciones a nivel sonoro. Este disco no va a seguir con el jazz que hice con Chamorro, sino por otros caminos.
“Letter from future me” me gusta como empalmas los dos temas, discos temáticos, como antes.
Está todo estructurado como un musical, los cuatro primeros temas que son el primer acto, luego el interludio que sería un entreacto en un musical, y los cuatro últimos temas, que serían el segundo acto. Los temas de cada acto están enlazados entre ellos mediante transiciones. El interludio está más separado, por ser el único tema que no sigue la historia.
¿Cuándo empezaste a componer tenías claro que cantarías?
Sí, mi intención en este disco es que fuera un disco cantado, aunque también toque el saxo. Tiendo a componer mucho más para voz que para saxo. Me interesa mucho escribir letras. Y lo que explico en el disco, era algo que me estaba sucediendo, y que mejor manera de explicarlo, que con la voz. 
“An Ordinary Guy” ese swing musical, casi cabaretero.
Sí, es muy cabaret. Ya que hago un musical, pues toma musical. Después de la introducción, este tema, tenía que ser muy cabaret, para que fuese el tema más Broadway.
“They say” me gusta mucho este tema, la base de jazz con sus instrumentos, esas cuerdas y ese saxo que sustituye a la voz, haciendo lo mismo pero de forma muy diferente. Me encanta.
Es el primer tema que grabé, era un trabajo de composición para el Liceu y me sirvió como prueba. Define muy bien como es el disco, tiene mucho jazz, pero a la vez, se va por lugares por los que nunca había ido antes.
El disco lo edita Microscopi, pero ¿cómo fue la grabación?
La base rítmica se grabó en un estudio llamado Casamurada, después mover un coro de 36 personas a una casa de campo, era muy complicado, aposté porque fuesen en metro hasta Urquinaona en un estudio increíble, Here Comes The Sound. Las voces en el estudio de Oriol Garrell, que es quién ha mezclado el trabajo. Y después grabé percusiones en el mismo Liceu.   
“1520’ Interlude” percusiones, bajo marcando caminos diferentes, ¿es una manera de decir que empieza otro capítulo?
Los temas, cuándo pasas a tocarlos con los músicos, cambian mucho, de estar en el ordenador a pasar a estar con gente que saben cómo tocar su instrumento, afortunadamente te proponen cosas nuevas, este en concreto, al principio era muy folclórico y después los músicos me propusieron un aire más roquero con la guitarra distorsionada y el ritmo de la batería en los estribillos. 
“Cinderella” juego de voces con Claudia Guilera.
A este tema le sientan muy bien las dos voces, cuándo lo compuse tenía claro lo de las dos voces, y Claudia Guilera, tiene una voz maravillosa, como cantante, es lo mejor que puede pasarte en la vida. En este tema no tenía que haber batería, pero Luka Gómez me pidió que le dejara grabar una batería y quedó genial.
“June 16th” otra fecha. Y una invitada muy especial, Mireia Espelt en piano y voz. Lo digo porque el piano es fundamental en esta composición. Sé que el disco ya se estrenó en Jamboree, con una formación más reducida, ¿estaba Espelt para la ocasión?
En el concierto de Jamboree, hubo un par de temas que no hicimos, este era uno de ellos. Es un tema que pasa por seis tonalidades, tiene un coro que no se podía llevar al Jamboree.
Mi sueño es poder hacer un concierto de presentación con todos los músicos.
Allí lo presentamos con nueve músicos, fue formidable, y precisamente la semana próxima, va a salir en todas las plataformas esa grabación que se hizo en Jamboree. 
“Final suite” volvemos al mundo cinematográfico. Aunque hay como un estribillo que me vuelve a sugerir otro tipo de musicales, no daré títulos.
Pero sí que te preguntaré, algo complicado.  (si no quieres, lo dejamos fuera de entrevista)
Diferencias fundamentales entre la música de El libro de la Selva y El rey león. ¡Ahí lo dejo!
Uf, el Libro de la Selva tiene referencias al jazz, creo que el mono, el rey Lui era una referencia a Louis Armstrong. Y El rey León, es Hans Zimmer y Elton John, y tiene un rollo de banda sonora, es mucho más épico, más clásico a nivel de orquestación, y el Libro de la Selva es jazz, dixieland, etc.
El “Final suite” lo quería como el clímax, el punto alto. Hay muchos motivos que se repiten, el tema del preludio es el mismo que suena en el epílogo, el disco empieza y acaba con la misma melodía.  Y “Final suite” en concreto, es un tema instrumental, en el que se van reexponiendo melodías y temas que ya han salido en el disco.
Esta suite final podría ser el final, pero prefieres cerrar con 1520’s Epilogue, volviendo a “Letter from future me” y al sonido que me recuerdan a aquellas óperas hippies.
Es que estos dos temas tienen esa intención, están unidos por el tiempo, el presente, en que el Koldo de ahora, le está escribiendo una carta al Koldo del pasado para advertirle de lo que se le viene encima. En el epílogo volvemos a estar en el presente. Por eso era intencional que recordaran por el sonido. 
Mientras esperas ese gran concierto, ¿qué intenciones tienes?
El objetivo es moverlo, de momento en formato pequeño, estoy pendiente de confirmar nuevas fechas, de momento tengo seguras, el 13 de marzo en Sala Puy (Gracia) y el 17 de abril en Jamboree 3.  
Bueno, es una buena noticia, esperemos que sigan más bolos y que ese sueño del formato grande se cumpla pronto.    + info